martes, 23 de agosto de 2011

50 años del otro cine español


Del éxtasis al arrebato:  50 años del otro cine español   en la Sala Leopoldo Lugones

El Complejo Teatral de Buenos Aires, la Oficina Cultural de la Embajada de España y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado un ciclo denominado Del éxtasis al arrebato: 50 años del otro cine español que se llevará a cabo del martes 23 al domingo 28 de agosto en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530).

Curado por el especialista Antoni Pinent para el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), con la colaboración de ICIC/ Filmoteca de Catalunya, esta retrospectiva abarca 44 títulos del cine de vanguardia español, que van desde la proteica obra --desconocida en Argentina-- de José Val del Omar hasta la producción actual de las jóvenes generaciones (David Domingo, Oriol Sánchez o Laida Lertxundi), pasando por la obra de Pere Portabella, Carles Santos, Javier Aguirre, Eugeni Bonet, José Antonio Sistiaga e Iván Zulueta. Organizadas de manera transversal y no necesariamente cronológica, las distintas sesiones fomentan un diálogo entre las obras clásicas y las más recientes.

“Del éxtasis al arrebato. 50 años del otro cine español es nuestro primer proyecto de difusión internacional. Queremos dar a conocer fuera de España nuestro cine experimental desde la década de los 50 hasta la actualidad, a través la proyección en pantalla grande de un programa de cine y la edición de un catálogo en forma de dvd con libreto. Se trata de una coproducción del CCCB y SEACEX (Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España), que cuenta además con la colaboración de la editora y distribuidora de dvd Cameo y la Filmoteca de Catalunya. Se trata de un tipo de cine importante pero muy desconocido tanto en nuestro país como fuera de nuestras fronteras. Consideramos por tanto que resulta prioritario alumbrar este patrimonio cultural y otorgarle la visibilidad que merece. Facilitando el acceso a obras que no circulan habitualmente y que ha sido preciso rescatar de los
archivos de las filmotecas o incluso de las propias casas de los autores, nuestra iniciativa quiere servir como un medio de conocimiento para los no iniciados al tiempo que vehicular una investigación rigurosa sobre estas obras ignotas y fascinantes de la historia del cine español. Ya hemos llevado a cabo una fase exhaustiva de documentación y catalogación de más de un millar de títulos, de entre los cuales se ha seleccionado un total de 44. Para asegurar la óptima condición técnica de dichas piezas, se han realizado labores de restauración, transfer digital o tiraje de copias nuevas”.
Antoni Pinent, curador

Para mayor información se puede descargar el documento
Del éxtasis al arrebato – Dossier
en la página web www.complejoteatral.gob.ar/cine


La agenda completa del ciclo es la siguiente:

Martes 23                  1. DOCUMENTOS / ITINERARIOS
                                   La sesión inaugural del ciclo se abre con una obra de
José Val del Omar, una de las figuras más relevantes que ha dado la cinematografía española. Fuego en Castilla forma parte de su inacabado “Tríptico elemental de España”. Otros cineastas que componen la sesión son el arquitecto Gabriel Blanco, más conocido como animador, pero representado aquí con un documental que muestra los quehaceres del ciudadano español en una jornada cualquiera de domingo en la periferia urbana; los artistas multidisciplinares Benet Rossell y Antoni Miralda, que proponen un itinerario por la iconografía bélica; y José Luis Guerin, quien tras debutar con el largometraje Los motivos de Berta (1983) realizó esta pieza corta con ciertas reminiscencias del hoy llamado cine-ensayo. Cierra la sesión un documental de Virginia García del Pino sobre la identidad laboral de quienes ejercen profesiones relacionadas con la muerte, la suciedad o el sexo.

                                   Fuego en Castilla
                                   (1958-59)
                                   Dirección: José Val del Omar
                                   Película premiada en 1961 en el Festival de Cannes por                                              sus efectos de iluminación táctil. Val del Omar, místico o                                           mecamístico gracias a la tecnología, transciende los ritmos                                      flamencos de la percusión de Vicente Escudero en las                                     maderas del Museo de Escultura de Valladolid, las anima y                                                hace danzar, y les prende fuego ante los espectadores                                       alucinados. (17’; 35 mm.)

                                   De purificatione automobilis
                                   (1974)
                                   Dirección: Gabriel Blanco.
Arquitecto y cineasta, Gabriel Blanco realizó una serie de cortometrajes que han recibido premios nacionales e internacionales, entre los que destacan La edad de piedra (1965), una película de animación con dibujos de Chumy Chúmez, De purificatione automobilis (1974) y La edad del silencio (1966), con el que el director andaluz ganó la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián.
                                   (16’; 35 mm.)

                                   Miserere
                                   (1979)
                                   Dirección: Antoni Miralda y Benet Rossell.
En 1979, Rossell y Miralda llevaron a cabo un peculiar proyecto conjunto, Miserere, un filme en 16 mm que ilustra varias versiones musicales del Agnus Dei y el viaje de un ser humano (el actor es Xifra) a partir de sus recuerdos de una guerra. Monumentos bélicos, soldados, botas viejas y cementerios de guerra se entrecruzan en el celuloide. (12’; 35 mm.)

                                    Souvenir
                                    (1985)
                                   Dirección: Silva Gracia y José Luis Guerín.
Cortometraje doméstico rodado en 1984, Souvenir, que fue emitido por TV3 en su día, ya contiene las claves de su obra posterior: la fascinación por la mujer y el carácter fantasmagórico del cine. Precisamente son esos dos elementos los que marcan su filmografía. (5’;digital)

                                    Lo que tú dices que soy
                                    (2007)
                                   Dirección: Virginia García del Pino.
A través de una serie de entrevistas a trabajadores cuyas profesiones están socialmente desprestigiadas, este documental propone una inteligente reflexión sobre la concepción moderna del trabajo como marca identitaria, al tiempo que invita a cuestionarlo como única forma de realización personal. (28’;digital)
                                    
                                   A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (Duración total: 78’)


Miércoles 24             2. APROPIACIONES / GRAN SÚPER 8
                                   Esta sesión presenta una serie de piezas realizadas
en Súper 8, un formato nacido en el año 1965 cuyo
uso sigue vigente hoy en día, y otras pertenecientes al
subgénero del found footage o cine de metraje encontrado/
apropiado. Algunas de las obras reúnen las dos
características, como For/Againts de Eugènia Balcells
o Súper 8 de David Domingo. En este programa se
establece un diálogo entre cineastas de diferentes
generaciones: los que formaron parte de ese intento
de vanguardia en el campo del cine experimental
centrada en Barcelona, Madrid y Valencia durante
la década de los ’70 –con Eugeni Bonet, Juan Bufill,
Manuel Huerga y Eugènia Balcells a la cabeza– y la
nueva hornada surgida desde finales de los ’90
hasta la actualidad.

                                   For / Against
                                   (1983)
                                   Dirección: Eugènia Balcells.
Como en obras anteriores, Balcells hace uso de material preexistente para producir una pieza que ejerce una crítica a los medios de comunicación y de una forma muy precisa a la utilización y difusión de imágenes violentas. (3’; digital)

                                   Minnesota 1943
                                   (1995)
                                   Dirección: Toni Serra.
En 1943 la Universidad de Minnesota realiza, por encargo del ejército norteamericano, un test psicológico con la intención de seleccionar una nueva plantilla de oficiales. A partir de ahí, Toni Serra realiza un ejercicio de collage.
                                   (7’; digital)

                                    Alice in Hollywoodland
                                    (2006)
                                   Dirección: Jesús Pérez-Miranda.
En Alice in Hollywoodland, Pérez-Miranda nos descubre mediante la apropiación y el remontaje el parecido asombroso que existe, tanto en el contenido como en la forma, entre dos filmes realizados por autores diferentes en épocas distintas: una película de vanguardia clásica, Meshes of the Afternoon (Maya Deren, 1943), y otra contemporánea, Mulholland Drive (David Lynch, 2001). (7’; digital)

                                    Súper 8
                                    (1997)
                                   Dirección: David Domingo.
También conocido como Stanley Sunday, David Domingo comenzó en la segunda mitad de los noventa filmando y montando en VHS con una cámara y un video Panasonic piezas de apropiación y pequeñas historias filmadas en casa. Más adelante pasó al súper-8. (7’30’’; digital)

                                    Bloodfilm
                                    (1975)
                                   Dirección: Marcel Pey.
Hay cosas que se pueden escribir y otras que es mejor expresar cinematográficamente. Estas películas, resueltas en primeros planos, tenían una estructura más poética que narrativa. Su lenguaje era más bien vertical, como de poema. (2’30’’; digital)

                                    Roulette Wheel
                                    (2005)
                                   Dirección: Luis Cerveró.
Luis Cerveró es realizador de cine, televisión, publicidad y videoclips. Sus primeros trabajos, pequeñas películas estructuralistas donde prima el ritmo y el color, están hechos en Súper-8. (2’; digital)

Signaturas (síntesis)
(2008)
Dirección: Juan Bufill.
Cineasta experimental, fotógrafo, poeta y crítico de arte, Juan Bufill (Barcelona, 1955) creó el programa de televisión de vanguardia Arsenal (1985-87) y dirigió El viaje de Robert Wyatt (1987) y Buñuel (1982), además de una serie de películas experimentales. Signaturas (síntesis) es uno de sus trabajos más recientes. (6’30’’; digital)

I Love You Because
(2007)
Dirección: Lope Serrano.
Lope Serrano se ha especializado en la técnica de la animación rotoscopiada. A menudo se apropia para sus creaciones de fragmentos sonoros y/o visuales de películas. (2’45’’; digital)

22arroba
(2008)
Dirección: Maximiliano Viale.
Las películas experimentales de Viale se han mostrado en diversos festivales como el East End Film Festival (Londres), Filmets de Badalona, CCCB o Cinémathèque de Tánger (Marruecos). (4’;digital)

Photomatons
(1976)
Dirección: Eugeni Bonet.
Photomatons es una reflexión en blanco y negro sobre la identidad del individuo en que se muestran a un ritmo vertiginoso tiras fotográficas expuestas en vitrinas de algunas tiendas de fotografía acompañada de un inquietante sonido parecido a un enjambre de avispas. (3’;digital)

A escala del hombre
(1991)
Dirección: David Reznak.
En 1994, David Reznak  funda la productora de cine Espejo Frío, desde la que produce y dirige nueve cortometrajes seleccionados y premiados en festivales internacionales y el largometraje La osa mayor menos dos, estrenado comercialmente en España en mayo de 2008. (8’30’’, digital)

Copy Scream
(2005)
Dirección: Oriol Sánchez.
Oriol Sánchez utiliza técnicas mixtas de animación a partir de fotocopias de un rostro femenino gritando que se van deteriorando (arrugando, agrietando) debido a la manipulación directa de la fotocopia contenedora de imágenes. (2’20’’, digital)

Brutal Ardour
(1979)
Dirección: Manuel Huerga.
Manuel Huerga es un precoz realizador de cine en súper-8 y video de carácter experimental, director, realizador y productor de innovadores programas para la televisión, videoclips, documentales y películas de ficción como Antártida (1995) o Salvador (2005), sobre la figura del anarquista Puig Antich. (15’; digital)

                                   A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (Duración total: 71’)


Jueves 25                   3. EXPERIMENTOS ANIMADOS. RITMOS, LUZ Y COLOR
Esta tercera sesión colectiva abarca períodos muy diferentes de la historia de cine en España, si bien todas
las piezas tienen el común denominador de la   experimentación en el campo de la animación, cubriendo
el amplio espectro que va desde la pura abstracción
hasta la narración. Las técnicas empleadas y los resultados
son igualmente dispares: estudios clásicos sobre la correspondencia entre color y música (Aguirre, Mestres, Sirera), el cine sin cámara (Puigvert, Artigas, Granell), el stop motion (Marimón, Pié Barba), el trazo como esbozo (Amat, Oñederra, Etcheverry), la animación de collage-recortables (Herguera) y la animación de arena sobre cristal (Vicario).                          

                                   Forma, color y ritmo
                                   (1956)                        
                                   Dirección: Josep Mestres.
Una de las obras fundamentales de la investigación catalana, por su valor a la hora de enfrentarse a un cine puro, sin sonido, con la única carga estética y formal de sus imágenes desnudas, cuadros abstractos que utilizan el celuloide para desarrollar su propio movimiento interno. (5’, 35mm.)
                                  
                                   Ballet Burlón
                                   (1959)                        
                                   Dirección: Fermí Marimón.
Un cine de animación experimental que huye de teorías y postulados, pero que aflora en la simplicidad de cada movimiento, en la facilidad simulada de cada paso, que ha sido ejecutado en horas de cuidado trabajo artesanal. (6’ 30’’, 35mm.)

                                   Exp. 1 / II
                                   (1958-1959)                          
                                   Dirección: Joaquim Puigvert.
En los Exp, Puigvert utiliza el rayado de película como técnica de expresión animada y colorea con posterioridad las imágenes resultantes. Puigvert confiere a sus pinturas fílmicas un ritmo visual juguetón y fresco que se desenvuelve ante el espectador de forma natural, no forzada, casi espontánea. (3’, 35mm.)

                                   Pregunta por mí
                                   (1996)                        
                                   Dirección: Begoña Vicario.
Una mujer que habla con acento lee una carta escrita a otra mujer, que se quedó en su país de origen, en la que le pide que pregunte por ella en la embajada y si puede vaya a buscarla, pues está siendo retenida y teme que le suceda como a otras compañeras, a las que por una suma de dinero les han extraído algún órgano de su cuerpo. (3’ 50’’, 35mm.)

                                   Pintura 63
                                   (1963)                        
                                   Dirección: Ton Sirera.
En Pintura 63, Sirera se acerca a la historia del arte. Es como si quisiera legitimar su búsqueda con la conciencia de la continua estratificación histórica de los movimientos artísticos. (5’ 30’’, 35 mm.)

                                    Hezurbeltzak, una fosa común
                                    (2007)                        
                                   Dirección: Izebene Oñederra.
¿Cómo se dice la verdad cuando las palabras están vacías de contenido? Basta con un poco de tinta y unas hojas en blanco. Eso, y mucho valor. (5’, 35mm.)
                                  
                                    Ritmes cromàtics
                                    (1978)
                                   Dirección: Jordi Artigas.
Artigas utiliza la pintura directa sobre el celuloide y se decanta por la abstracción total, sin concesiones figurativas. Obra radical en su planteamiento, en la que se utiliza el material fílmico como soporte artístico, manipulándolo físicamente mediante rayas, pinturas, etc. (5’, 35mm.)

                                    Spain Loves You
                                    (1988)
                                   Dirección: Isabel Herguera.
La directora desentierra casi de forma autobiográfica parte de su infancia, con referencias no sólo a su familia, sino también a hechos fundamentales de esa época, como la llegada del hombre a la luna o la muerte de Franco. (5’ 40’’, 35mm.)

                                    Espectro siete
                                    (1970)
                                   Dirección: Javier Aguirre.
Un ejemplo de música cromática que retoma las viejas tradiciones del cine musical de los años veinte. En esta película se representa cada una de las siete notas musicales con uno de los siete colores del espectro luminoso. Ésta se monta sobre la banda sonora y provoca un sonido: el sonido es la imagen. (8’ 30’’, 35mm.)

                                    Lluvia
                                    (1961)
                                   Dirección: Eugenio Granell.
Lluvia se abre a la materialidad del propio formato, la emulsión negra rascada en líneas continuas verticales, creando en la pantalla como una especie de danza. (2’, digital)

                                    La 72.024 mil•lèssima part d’un any
                                    (2008)
                                   Dirección: Marcel Pié Barba.
Un proyecto de animación experimental centrado en la búsqueda de nuevos métodos de producción y formalización del discurso narrativo. (5’, digital)

                                    Danse Noire
                                    (2006)
                                   Dirección: Frederic Amat.
Danse noire tiene como punto de partida poner en movimiento, a través del estilo indisociable de la pintura de Amat, las bailarinas de Degas que existen en una de las vitrinas del Museo Metropolitano de Nueva York. (3’ 30’’, digital)

                                    Monos
                                    (1997)
                                   Dirección: Juan Pablo Etcheverry.
Chimpancés y gorilas en movimiento. (1’ 30’’, digital)

                                   A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas. (66’)

Viernes 26                 4. PINTURA – MOVIMIENTO
                                   ...ere erera baleibu izik subua aruaren... , un conjunto
de palabras sin ningún significado, da título al primer
largometraje en la historia del cine español –y el único hasta el momento– pintado íntegramente con la técnica de la animación sin cámara. José Antonio Sistiaga emplea el celuloide de 35mm a modo de lienzo en blanco
–transparente, para ser más precisos–, aplicando directamente la pintura sobre la película con diferentes técnicas. Realizada a lo largo de 17 meses, carente de elementos figurativos y de acompañamiento sonoro, el resultado es una pieza indescriptible con la palabra, hecha para ser contemplada idealmente en su formato cinematográfico. En suma, un placer sin igual para la vista.                   

                                   Ere erera baleibu icik subua aruaren
                                   (1968 – 1970)
                                   Dirección: José Antonio Sistiaga.
                                   A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas. (70’, 35mm.)

Sábado 27                  5. INDAGACIONES / METACINE
                                   La última de las sesiones colectivas pretende reflejar
la esencia del cine en sus diferentes vertientes, desde
la reflexión sobre el propio medio o el ensayo meta-cinematográfico (Lertxundi, León Siminiani, Rivera, de
Pedro) hasta la pantalla en blanco (Casas Brullet), pasando
por los contactos con otras artes como la danza (Marimón y Ramos), la performance (Santos), la fotografía (Lacuesta, Cosmen) o la poesía cinematografiada (Padrós). Se trata de un conjunto de tentativas que dan muestra de las diferentes ramas de las que está constituido el gran árbol que es el cinematógrafo.                                 

                                   Blanc Dérangé
                                   (2008)
                                   Dirección: Blanca Casas Brullet.
Artista multidisciplinar, ha trabajado en video, performance, fotografía e instalación. Ha exhibido en ferias y festivales como «Les Peintres de la Vie Moderne» (Centro Georges Pompidou, París, 2006-07) o el Festival LOOP (Galería Senda, Barcelona, 2005/06). (5’, digital)

                                   Límites (1.ª persona)
                                   (2009)
                                   Dirección: Elías León Siminiani.
Estudió cine en la Universidad de Columbia (Nueva York). Las tres primeras entregas (La oficina, El permiso y Digital) de su serie de micro-documentales “Conceptos clave del mundo moderno” han obtenido más de cincuenta galardones internacionales. El tránsito (2008) es la cuarta entrega. (7‘ 45’’, digital)

                                   Travelling
                                   (1972)
                                   Dirección: Lluís Rivera.
Realizador de televisión y cineasta independiente. Durante la década de los setenta realizó una serie de películas experimentales y documentales entre las que destacan Piensa que mañana puede ser el primer día del resto de tu vida (1971) o Personajes para una historia (1974). (12’,digital)

                                   Teoría de los cuerpos
                                   (2004)
                                   Dirección: Isaki Lacuesta.
Cineasta. Cravan vs Cravan (2002) recibió en el Festival de Sitges los galardones al Director Revelación y Premio del Público. La leyenda del tiempo (2006) fue premiada en los festivales de Nantes y Las Palmas, entre otros. Su último largometraje es Los condenados (2009). (4’ 45’’, digital)

                                   Figura
                                   (2007)
                                   Dirección: Gonzalo de Pedro.
Es crítico y miembro del consejo de redacción de Cahiers du Cinéma /España y del Festival Punto de Vista (Pamplona). Entre sus piezas experimentales destacan Muybridge 2.0 o Tabla aeróbica n.º 4. Entrenamiento para pintores. (2‘ 12‘’, digital)

                                   In girum imus nocte et consumimur igni
                                   (2003)
                                   Dirección: Jorge Cosmen.
Realizador. Trabaja como director de publicidad en Lee Films (Madrid) y antes lo había hecho en la productora Boolab (Barcelona), donde dirigió spots para marcas internacionales. Se dio a conocer como artista en disciplinas como el video, la fotografía y la instalación.
                                   (9’, digital)

                                   BiBiCi Story
                                   (1969)
                                   Dirección: Carles Durán.
Rodado en un solo día de diciembre de 1969 en casa del realizador, el cortometraje BiBiCi Story acusa recibo del reciclaje experimentado por la Escuela de Barcelona tras las influencias recibidas del Mayo de 1968. Como si se tratase de un curso de idiomas —de ahí el juego de palabras del título— el filme está dividido en ocho lecciones dictadas por una chica —Carmen Galí, entonces casada con Durán— provista de unos auriculares. (8’, 35mm.)

                                   Farce Sensationelle!
                                   (2004)
                                   Dirección: Laida Lertxundi.
Tres minutos mágicos, realizados a modo de screen test, como hacía Warhol, pero en este caso la persona filmada no está delante de la cámara sino detrás, para que la propia cámara sea también la protagonista. (3’ 10’’, 35mm.)

                                   In crescendo
                                   (2001)
                                   Dirección: Joan Marimón y Jesús Ramos.
Cineastas y docentes. Marimón es el guionista del largo de dibujo animado Peraustrinia 2004 (1989) y ha dirigido cortos como El viatger (1997). Recientemente estrenó su largometraje Pactar con el gato (2007). Ramos realiza y produce piezas audiovisuales que abarcan desde films experimentales hasta videoarte. Entre ellas se encuentra Océano (2008). Además de realizar juntos In crescendo (2001). (6’ 30’’, 35 mm.)

                                   Ice Cream
                                   (1970)
                                   Dirección: Antoni Padrós.
Con Ice Cream Padrós emprende su trilogía sobre la represión y su liberación a partir de la violencia que se verá completada con los cortometrajes Swedenborg y ¿Qué hay para cenar, querida? (8’ 30’’, 35mm.)

                                   LA RE MI LA...
                                   (1979)
                                   Dirección: Carles Santos.
Pianista, compositor y artista polifacético. Ha trabajado en cine con Pere Portabella, como compositor, intérprete o guionista, en Nocturn 29 (1968) o El silencio antes de Bach (Die Stille vor Bach, 2007).
                                   (9’, 35mm.)
                                  
                                   A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (Duración total: 75’).

Domingo 28               6. ARREBATADO
                                   El ciclo se cierra con la obra cumbre de la filmografía
de Iván Zulueta, film de culto dentro de la cinematografía española. Su autor logra aunar aquí muchas de las técnicas que había puesto en práctica en piezas cortas anteriores como A Mal Gam A, Frank Stein o Kinkón, realizadas en Súper 8, y aglutina una serie de temas que le venían obsesionando desde su infancia. Largometraje hipnótico donde los haya, cargado de un cierto misticismo y susceptible de múltiples lecturas, Arrebato es una indiscutible obra maestra a cuyo injusto desconocimiento fuera de nuestras fronteras resultaba preciso poner fin.                                
                                   Arrebato
                                   (1980)
                                   Dirección: Iván Zulueta.
Con Eusebio Poncela y Cecilia Roth.
“Que su película (ahora) más celebrada, Arrebato, terminara con la cámara de Súper-8 vampirizando a su dueño, y que tras filmar esa película, Iván Zulueta no volviera a rodar ni una sola imagen más, recluyéndose, desapareciendo del mundo, es la conciencia sobre la que se sostienen todos los textos que pretenden reivindicar la figura de Zulueta como el gran maldito de nuestro cine…” (Gonzalo De Pedro en Cahiers du Cinéma / España)

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (105’).

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sábado, 20 de agosto de 2011

EL CINE QUE NOS MIRA por Canal 7 La TV Publica





ESTA SEMANA EN
EL CINE QUE NOS MIRA

El Sábado 20 de Agosto a las 1:30 AM


QUE TAN LEJOS


De TANIA HERMIDA




Con Cecilia Vallejo, Tania Hermida y Pancho Aguirre

En el ciclo de películas iberoamericanas Programa Ibermedia TV, EL CINE QUE NOS MIRA exhibirá la coproducción hispano ecuatoriana QUE TAN LEJOS, de la actriz y realizadora TANIA HERMIDA.
Presentado por CARLOS MORELLI

Esperanza, española, llega a Ecuador con la intención de conocer el país. Teresa, ecuatoriana, y que se le presenta como Tristeza, se le une mientras espera encontrarse en el camino con el chico al que ama.
Haciendo dedo, en mitad de una huelga nacional, solas o en compañía de otros, ambas mujeres emprenderán un singular viaje en el que aprenderán tanto de la otra persona como del país que las rodea. Y sobre todo, de sí mismas..



En una decisión de fundamental importancia para la divulgación masiva del producto fílmico iberoamericano en la totalidad de sus propios mercados, el fondo Ibermedia pondrá en marcha desde marzo la primera edición del Programa Ibermedia TV. El mismo consiste en la exhibición, con frecuencia semanal, de cincuenta y dos películas latinoamericanas, españolas y portuguesas, en televisoras de todos los países integrantes de aquel fondo de ayuda al desarrollo, la coproducción y la difusión de obras cinematográficas y audiovisuales.
La medida fue promovida por la CAACI (Conferencia de Autoridades Audiovisuales y Cinematográficas Iberoamericanas) y aprobada por los titulares de la cartera de Cultura de cada nación allí representada. De esta manera, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica,Cuba, Chile, Ecuador, España, Guatemala, México, Perú, Portugal, Puerto Rico, República Dominicana, Uruguay y Venezuela ofrecerán destacados ejemplos de sus respectivas industrias fílmicas, y a la vez conocerán las obras más relevantes de los otros integrantes de Ibermedia, en una operación de ejecución simultánea en todas esas geografías, y con la proyección de una única selección de títulos.

En el caso de nuestro país, el Programa Ibermedia TV tendrá una de sus vitrinas en Canal 7. El ciclo elegido para las exhibiciones es“El Cine que nos Mira”, auspiciado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de la Argentina (INCAA), creado y conducido por Carlos Morelli y con producción general de Susana Tenreiro


El Cine que nos Mira es un programa de Carlos Morelli
Producido por Susana Tenreiro


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miércoles, 17 de agosto de 2011

RECORD DE PELICULAS ARGENTINAS EN EL FESTIVAL DE VENECIA


 RECORD DE PELICULAS ARGENTINAS 
EN EL
68 ° FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE VENECIA
 
 

El 68ª Festival Internacional de Cine de Venecia, que dirige Marco Müller desde el año 2004, se desarrollará desde el 31 de agosto hasta el 10 de septiembre 2011.
El objetivo del Festival  es dar a conocer y promover los diversos aspectos del cine internacional en todas sus formas: como arte, como entretenimiento y como industria . 

Este año , Argentina estará presente con 8 films :

 
 SECCION OFICIAL

(Fuera de Competencia) 
Vivan las antípodas ! , de Viktor Kossakovsky . ( Cooproducción : Argentina / Alemania / Chile / Rusia / Holanda. ).

Este documental se estrenará, fuera de concurso, en la jornada inaugural del Festival .


ORIZZONTI

Accidentes gloriosos, de Mauro Andrizzi y Markus Lindeen ( Cooproducción : Argentina / Suecia / Dinamarca ). 
Nocturnos, de Edgardo Cozarinsky ( Argentina ).


SEMANA DE LA CRITICA

El campo, de Hernan Belon ( Cooproducción : Argentina / Italia ).


VENICE DAYS (Giornate degli autori)

Otros silencios, de Santiago Amigorena ( Argentina / Francia / Canadá ).
Tierra sublevada - Oro negro, de Fernando Pino Solanas ( Argentina ).
El mundial olvidado, de Filippo Macelloni, Lorenzo Garzella  ( Coproduccion : Argentina / Italia ).
Historias que solo existen cuando las recuerdas, de Julia Murat ( Coproduccion : Brasil / Argentina / Francia ).
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Hammer, la casa del terror británico


Hammer, la casa del terror británico
Diez films en la Sala Leopoldo Lugones

El Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado un ciclo denominado Hammer, la casa del terror británico, que se llevará a cabo del jueves 18 al domingo 21 de agosto en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda.Corrientes 1530). La muestra estará integrada por diez títulos que están entre los más valiosos pero también entre los menos difundidos del estudio y se exhibirán en programas dobles, a la manera en que se proyectaban en el momento de su estreno.
“Durante mi adolescencia, salía con un grupo de amigos a ver ciertas películas y, si nos encontrábamos con el logo de la Hammer, sabíamos que iba a ser una película muy especial, una experiencia sorprendente”, recordaba Martin Scorsese. Aunque muchas veces menospreciada por el establishment cultural británico, Hammer Films ha sido la compañía productora más exitosa del cine inglés y una de las más prolíficas, desde su creación en 1932 hasta mediados de los años 70. El apogeo de la Hammer, sin embargo, puede ubicarse en la década que va de 1957 a 1968, cuando el estudio se consagró como “la casa del horror británico”, reformulando los clásicos personajes del cine fantástico estadounidense –Frankenstein, Drácula, La Momia, entre otros– a quienes les infundió nueva vida. Con el acento puesto fundamentalmente en los aspectos visuales del film y adscribiendo a una estética gótico-romántica, “el estudio que chorreaba sangre” hizo de actores como Peter Cushing y Christopher Lee verdaderas estrellas, renovadoras de la mitología del cine fantástico.
La agenda completa del ciclo es la siguiente:

Jueves 18: Las novias de Drácula
(The Brides of Dracula; Reino Unido, 1960)
Dirección: Terence Fisher.
Con Peter Cushing, Martita Hunt, Freda Jackson
La segunda película de vampiros de la Hammer, Las novias de Drácula no cuenta con la presencia del personaje del título, aunque sí aparece su archienemigo el Profesor Van Helsing (Peter Cushing). El vampiro en cuestión no es un Conde sino un joven Barón (David Peel) que escapa del encierro que le ha perpetrado su propia madre para buscar víctimas jóvenes en una escuela de señoritas.
Terence Fisher perfeccionó en este film sus búsquedas estéticas en relación a la utilización dramática de los decorados y los colores saturados y logró, según muchos, su obra maestra.
A las 14.30 y 19.30 horas (85’; digital)

La maldición del hombre lobo
(The Curse of the Werewolf; Reino Unido, 1961)
Dirección: Terence Fisher.
Con Oliver Reed, Clifford Evans, Anthony Dawson


Adaptación de la famosa novela de Guy Endore El hombre lobo de París, pero ambientada en España. Después de ser brutalmente violada, una joven sordomuda da luz a un hijo con un insaciable apetito de sangre. Con el paso del tiempo el niño se convierte en un hombre lobo y en Oliver Reed.
“Es una película más ambiciosa y compleja que la mayoría de los productos de la Hammer porque la atención está puesta en investigar las fuerzas opositoras que gobiernan la vida del monstruo” (Geoff Andrew, Time Out).
A las 17 y 22 horas (91’; digital)

Viernes 19: Paranoico
(Paranoiac; Reino Unido, 1963)
Dirección: Freddie Francis.
Con Oliver Reed, Janette Scott, Maurice Denham
Eleanor, una joven heredera a punto de suicidarse, es salvada por un hombre que dice ser su hermano, aparentemente fallecido años atrás. Pero una serie de extraños acontecimientos en los alrededores del castillo familiar harán dudar a Eleanor de su propia cordura.
Freddie Francis fue uno de los más importantes directores de fotografía del cine británico (Hijos y amantes, El hombre elefante) pero su carrera como director no es por eso menos interesante. Los films que dirigió se caracterizan por la elaborada planificación de los encuadres y una narración extremadamente fluida. En Paranoico, Francis dosifica hábilmente elementos del thriller psicológico con un escenario gótico y tenebroso.
A las 14.30 y 19.30 horas (80’; digital)

Muerte en la noche
(Nightmare; Reino Unido, 1964)
Dirección: Freddie Francis.
Con David Knight, Moira Redmond, Jennie Linden
Janet (Jennie Linden, Mujeres apasionadas) vive obsesionada por el recuerdo de su madre, una asesina demente. Atormentada por espantosas pesadillas y apariciones, la joven comienza lentamente a enloquecer.
Muerte en la noche es probablemente la mejor película dirigida por Francis, quien realza un imaginativo guión del asiduo colaborador de la casa, Jimmy Sangster, con una puesta en escena llena de invención y elegancia, rebosante de imágenes inquietantes. La actuación de Moira Redmond (Grace) también sorprende por su intensidad y por algunos momentos de bravura.
A las 17 y 22 horas (83’; digital)

Sábado 20: El beso del vampiro
(Kiss of the Vampire; Reino Unido, 1963).
Dirección: Don Sharp.
Con Clifford Evans, Noel Willman, Edward de Souza.

En los alrededores de Bavaria, una pareja de británicos recién casados es arrastrada por un discípulo del Conde Drácula (Noel Willman) y su vampírica familia hacia un destino peor que la misma muerte.
“El beso del vampiro es un film bellísimamente fotografiado (…). El uso del escenario es particularmente soberbio y le da al film una cualidad casi dreyeriana” (David Pirie, Time Out).
A las 14.30 y 19.30 horas (88’; digital)

Rasputín, el monje maldito
(Rasputin: The Mad Monk; Reino Unido, 1966)
Dirección: Don Sharp
Con Christopher Lee, Barbara Shelley, Francis Matthews.
Con una carrera que, desde 1948, abarca casi 200 películas, Christopher Lee (nacido en 1922 y todavía en actividad) es indiscutiblemente el actor más representativo de Hammer Films, donde interpretó, entre muchos otros, a los villanos-estrella del estudio: Drácula, Frankenstein y la Momia.
Rasputín, el monje maldito es notable por la creación que Lee hace de su personaje, confirmando el talento del actor para las caracterizaciones. La afilada dirección del australiano Don Sharp y algunos aspectos involuntariamente cómicos del guión han hecho de esta película un pequeño clásico dentro del género.
A las 17 y 22 horas (91’; digital)

Domingo 21: Hijos de la noche
(These are the Damned; Reino Unido, 1963)
Dirección: Joseph Losey
Con Macdonald Carey, Shirley Anne Field, Oliver Reed, Viveca Lindfors.
Hijos de la noche es uno de los films menos conocidos de Joseph Losey. Lo cual es bastante injusto, ya que pocas películas suyas sintetizan mejor que ésta el universo del cineasta: sus temas (el dominio de un ser por otro, la corrupción espiritual, el masoquismo, el hombre acosado), y sus figuras de estilo (exhibicionistas movimientos de cámara, travellings con helicópteros) aparecen todos condensados en esta original historia de ciencia-ficción, cuya trama podría definirse como una cruza entre El pueblo de los malditos (1960, Wolf Rilla) y La naranja mecánica (1971, Stanley Kubrick).
A las 14.30 horas (87’; digital)
A merced del odio
(The Nanny; Reino Unido, 1965)
Dirección: Seth Holt.
Con Bette Davis, Wendy Craig, Jill Bennett, Pamela Franklin.
El protagonista de esta historia es un niño, Joey (William Dix), que vuelve a su casa luego de un largo período en un hospital psiquiátrico. Su antigua niñera (Bette Davis) sigue empleada en la casa. Pero por algún motivo, Joey le tiene terror…
Artísticamente el punto más alto de la Hammer, A merced del odio no es sólo una gran película de suspenso, sino también un estudio de las complejas relaciones entre los integrantes de una familia británica de clase alta. Bette Davis tuvo una de las mejores actuaciones de toda su carrera, respaldada por la soberbia dirección de Seth Holt y el inteligente guión del infatigable Jimmy Sangster, que consideraba que ésta era “la mejor película en la que trabajé”.
A las 17 horas (91’; digital)

Un millón de años antes de Cristo
(One Million Years B.C; Reino Unido, 1966)
Dirección: Don Chaffey.
Con Raquel Welch, John Richardson, Martine Beswick.
Un millón de años antes de Cristo describe con detalle las vidas de los integrantes de dos tribus rivales de hombres prehistóricos. La película no tiene prácticamente diálogos y hoy en día podría verse como un antecedente de La guerra del fuego (1981, Jean-Jacques Annaud). Los dinosaurios animados cuadro-a-cuadro por Ray Harryhausen están entre lo mejor de su obra, pero si la película (el mayor éxito económico de la Hammer) que ha quedado en el inconsciente colectivo es por la imagen de Raquel Welch en un primitivo bikini. “Si las minas eran así un millón de años antes de Cristo, podíamos considerar refutada la teoría de la evolución” (José Pablo Feinmann, Pasiones de celuloide).
A las 19.30 horas (100’; digital)

El Doctor Jekyll y su hermana Hyde
(Dr. Jekyll and Sister Hyde; Reino Unido, 1972)
Dirección: Roy Ward Baker.
Con Ralph Bates, Martine Beswick, Gerald Sim.
Brian Clemens, uno de los nombres clave de la televisión británica (Los vengadores, Thriller), era un guionista de prodigiosa imaginación, como lo demuestra esta adaptación de la novela de Robert Luis Stevenson. El buen doctor Jekyll (Ralph Bates) saca a la luz su lado oscuro transformándose en una peligrosa asesina (Martine Beswick), cuyos crímenes se creen cometidos por Jack, el destripador.
A las 22 horas (97’; digital)



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